La galerie a le plaisir de proposer une exposition consacrée à Marthe Wéry (1930-2005), avec un choix d’œuvres rarement montrées, de la série de la période des années 70, dite des « lignées », jusqu’à ses tableaux récents constitués de nappes de peinture liquide, couches superposées répandues sur toute la surface, qui y jouent librement, inscrivant ainsi des traces inattendues. 

La peinture de Marthe Wéry, qu’il s’agisse de désigner la démarche ou la matérialité des œuvres, n’est pas spectaculaire. Elle se construit à son rythme propre, à partir d’une attention constante aux plus modestes événements qui surviennent à la surface du tableau. Dans les années 1960, des lignes recouvrent une surface. Pour Marthe Wéry, une ligne n’indique pas une direction : elle constitue « la plus petite surface possible ». Empiriquement tracées, les lignes se resserrent, se heurtent. Ces accidents constituent un morceau de surface. Marthe Wéry appartient à une famille de peintres, sinon à une génération, pour laquelle peindre est répéter toujours plus intensément un même geste. La répétition engendre des « transformations » qui « ouvrent tout naturellement à d’autres développements ». […] Pour Marthe Wéry, rien, jamais, ne se clôture. S’inspirant de Montaigne, elle suggère avec clairvoyance : « Il n’y a pas à parfaire, mais toujours à compléter et à poursuivre. » La peinture, dans le temps, « s’arrange » en quelque sorte avec elle-même. […] Les lignes, chez Marthe Wéry, […] sont « les chemins du pinceau sur la toile » : « Ces chemins ne mènent qu’à la peinture. » La plus extrême, et dans une certaine mesure, la plus parfaite manifestation du débat de la peinture avec elle-même est le tableau monochrome. Peu importe que le monochrome soit, ou soit devenu, un « genre ». Cette question n’occupe que les universitaires. Un monochrome a cette particularité d’être « étranger », de ne pouvoir être identifié, sinon à lui-même. Au demeurant, Marthe Wéry n’additionne pas des couleurs sur une toile : elle les « pousse » l’une vers l’autre, jusqu’à une tension et à une saturation maximales. Tant en ce qui concerne le franchissement des étapes de son travail que son rapport aux autres (Marthe Wéry fut une enseignante exemplaire), sa générosité fut toujours appuyée sur une volonté de déplacement et d’élargissement, c’est-à-dire sur l’absolu nécessité du risque. Les caractéristiques de cette aventure exigeante, encore insuffisamment connue et reconnue, ne sont pas aujourd’hui si communes.

Alain Coulange, Extrait de « Portrait. Marthe Wéry » 2006   

On peut clairement avoir des désirs, mais on doit toujours faire face à sa nature. J’ai appris que la mienne devait prendre en compte la sensualité, et pour la garantir, un temps de travail très lent. Je peins à plat en fines couches transparentes superposées. Tant de choses se passent dans cette lenteur et j’aimerais le faire vivre au spectateur. Je me suis ainsi rendu compte que la fascination pour le côté matériel et physique de la couleur était inscrite dans mon tempérament ; ce qui m’éloigne de la rigueur des Américains par exemple. On n’échappe pas à l’autoportrait dans la peinture. Il se fait pas à pas, naturellement. J’ai l’impression de « laisser venir »…Chaque exposition est un peu l’état de moi-même à ce moment là. Comme un corps en morceau que je tente de reconstituer à coup d’ambiguïtés, de reconnaissances et de libérations progressives. 

Propos de Marthe Wéry recueillis par Guy Gilsoul pour le Vif/L’Express, 13 – 19 mars 1987